Guggenheimova zbierka, ako ju vidí šesť umeleckých hviezd

Každý je dnes kurátorom. Ale keď sú skúsení umelci požiadaní, aby zorganizovali výstavu zo zbierky múzea, môže to byť skvelá vec.

Inštalačný pohľad na umeleckú licenciu: Six Takes on the Guggenheim Collection predstavuje šesť samostatných výstav, ktoré umelci vybrali zo zbierky múzea.

Dobré veci sa zvyknú diať, keď múzeum pozve umelca, aby prehľadal jeho fondy a pripravil výstavu z diel iných ľudí. Umelci sa pozerajú na kolekciu slobodnejšie a hltavejšie ako väčšina z nás, z podivných uhlov. Často hľadajú zanedbané alebo výstredné poklady a zdôrazňujú, čo múzeá majú, ale nepoužívajú; môžu tiež odhaliť slabé stránky zbierky, jej predsudky a slepé miesta. A pri používaní výtvorov iných na vytváranie nových spojení umelci tiež ukazujú nové stránky seba samých.

Predstavte si teda, čo sa stane, keď Guggenheimovo múzeum pozve šiestich umelcov, aby vybrali šesť samostatných, no vzájomne prepojených tematických výstav, jednu pre každú rampu jeho slávnej rotundy. dostaneš Umelecká licencia: Six Takes on Guggenheim Collection, vzácna, oslnivá, závratná hojnosť predmetov, hľadísk a programov.



Guggenheim nikdy neuskutočnil výstavu vybranú umelcom a vrhnúť sa na šesť premení to, čo mohol byť ľahký letný projekt, na provokatívny, šesťstranný rozhovor. Umelci, z ktorých všetci mali v múzeu samostatné výstavy, sa obmedzili na diela v zbierke od roku 1900 do roku 1980, ale inak mohli kritizovať – inteligentný krok v čase, keď sú múzeá pod novým tlakom, aby zostali relevantné.

Zdá sa, že umelci, organizovaný tímom vedeným Nancy Spector, umeleckou riaditeľkou a hlavnou kurátorkou múzea, si to užívajú.

Cai Guo-Qiang pripevnené na dielach, ktoré väčšinou zobrazujú Guggenheimove veľké mená predtým, ako sa stali kultúrnymi komoditami. Paul Chan pripravil očarujúcu esej o kľúčových úlohách potešenia a vody ako foriem obnovy. Richard Prince a Julie Mehretu sa sústredili na povojnovú abstrakciu s veľmi odlišnými cieľmi. Hľadanie práce od umelcov rôznych farieb a žien – a nie vždy to nachádza – Carrie Mae Weems a Jenny Holzer účinne riešili problém nedostatku rozmanitosti Guggenheimovcov.

„Neznačkové“

Obrázok

Kredit...Karsten Moran pre The New York Times

Prehliadka sa začína nádherným zahrievacím cvičením vybraným sochárom a inštalačným umelcom Cai Guo-Qiang, ktorý sa narodil v Číne, má sídlo v New Yorku a maľuje strelným prachom. Pán Cai zavesil hlavnú stenu salónu High Gallery so 75 dosť neznámymi dielami na papieri a malými maľbami, väčšinou od kanonických umelcov, ešte predtým, než vyvinuli svoje charakteristické štýly, ako hovorí vo svojom úvode: Kandinsky, Miró, Beuys, Picasso , Louise Nevelson a najmä nádherné diela Franza Klinea a Marka Rothka.

Iné sú od umelcov začlenených do histórie múzea, ako je Hilla Rebay, jedna z jeho zakladateľov, reprezentovaná agilnou kolážou ženského aktu. Pán Cai sem zaradil aj niekoľko svojich vlastných diel, malé krajinomaľby zo začiatku 80. rokov, keď prvýkrát používal oleje a prispôsoboval sa západným štýlom a práve začínal hľadať svoju cestu, podobne ako tunajší mladí umelci.


‚Sex, voda, spása alebo čo je kúpač?‘

Obrázok

Kredit...Karsten Moran pre The New York Times

Obrázok

Kredit...Karsten Moran pre The New York Times

Paul Chan je známy skôr tajomnými konceptuálnymi projektmi, ale tu sa stáva takmer romantickým a položí šok z jasne modrého koberca, ktorý poteší ešte pred jeho pozvaním uvažovať o tom, ako nás potešenie obnovuje. Nemôžeme pracovať na zmene v týchto trestajúcich časoch bez potešenia, tvrdí pán Chan, a vníma vodu – očistnú, liečivú, požívajúcu – ako jej univerzálny zdroj, často spojený v umení s motívom kúpajúceho sa, v ktorom sa duchovné , materiál a zmyselnosť sa zhodujú.

Tu sa potvrdenie začína jazykovým kúskom Lawrencea Weinera To the Sea... a Mondrianovým takmer úplne modrým letom, Duna na Zélande (1910) a končí sa bujarým neskorým de Kooningom. Laurie Simmons, Ilse Bing, Rufino Tamayo, George Platt Lynes a Ernst Ludwig Kirchner vykúzlia kúpanie a kúpanie (aj v kúpeľniach). Potešenie, rovnako ako voda, je jednou zo základných vecí života. Prvú ignorujeme a druhú premrháme na vlastné nebezpečenstvo.


„Štyri obrazy vyzerajúce správne“

Obrázok

Kredit...Afro/Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rím; José Guerrero/Spoločnosť pre práva umelcov (ARS), New York/VEGAP, Madrid; Karsten Moran pre The New York Times

Obrázok

Kredit...Majetok Paula Jenkinsa/licencovaný ADAGP; Karsten Moran pre The New York Times

Maliar a fotograf Richard Prince, známy svojím vlastným sardonickým požičiavaním obrazov, skladá akúsi hádanku. Jeho sekcia, Štyri maľby vyzerajúce správne, odráža názvy jeho raných fotografických prác, ktoré komentovali ubíjajúcu podobnosť modelov a póz v reklamách v časopisoch, ako napr. Bez názvu (Štyri ženy pozerajúce rovnakým smerom) z roku 1977. Ale tu platí, že právo je aj kvalitatívny súd, ako v správnom.

Jeho cieľom je prevaha americkej abstrakcie v povojnových rokoch, o ktorej tvrdí, že v skutočnosti išlo o nadnárodné hnutie, a tiež spochybňuje prílišný dôraz na originalitu a autorstvo. Predstavuje zhluky prekvapivo podobných abstraktných diel, prevažne od menej známych umelcov z viacerých kontinentov. Kresby Philipa Gustona, Judit Reigl a Georgesa Mathieua sú lineárne kompozície, ktoré evokujú utlmené lešenia. Obrazy Jacka Tworkova, Afro a Josého Guerrera opakujú odvážne použitie žltej a čiernej. Falošný Pollock z umelcovej zbierky je v kontraste so skutočným Guggenheimovým.

Veľký obraz z roku 1956 od Američana Paula Jenkinsa, The Prophecy, ponúka apokalyptický pohľad podobný tým, ktoré mal britský maliar z 19. storočia John Martin. A dve plátna z rokov 1961-62 (tiež vo vlastníctve pána princa) od Stuarta Sutcliffa, veľmi skorého basgitaristu skupiny Beatles, ktorý sa vzdal rock’n’rollu kvôli umeniu, vyzerajú úplne správne. Rovnako aj séria úžasných, málo vídaných sôch od Herberta Ferbera, Claire Falkenstein, Michaela Lekakisa a Étienna Hajdu.


„Cry Gold and See Black“

Obrázok

Kredit...The Estate of Francis Bacon/DACS, Londýn/Artists Rights Society (ARS), New York; Karsten Moran pre The New York Times

Maliarka Julie Mehretu zaujala v tom istom povojnovom období úplne iný smer: jeho podceňovanie globálne nepokoje – od otrasov holokaustu po príchod atómového veku, vzostup amerického hnutia za občianske práva a vojny za nezávislosť Afriky – a spôsob, akým sa to všetko odráža v umení.

Píše, že abstrakcia poskytla experimentálny slovník, pomocou ktorého sa dá vyjadriť veľkosť ničenia spôsobeného vojnou. Zistila, že v reliéfe zo spáleného dreva sa ozýva požiar Alberto Burri ako aj v dielach podľa James Lee Byars a Norman Lewis . K fragmentácii tiel dochádza pri úsilí Francisa Bacona, Davida Hammonsa, Wifreda Lama a čilského maliara Matta; raná socha z roztrhaného olova od Richarda Serra a výkon na troch fotografiách od Senga Nengudi .

Pani Mehretu tiež oživuje rozmazané autoportréty zabudnutých založených na predstavení Blythe fazuľa nasleduje veľký obraz od Asger Jorn čo bujne vyvoláva chaos. Pani Mehretuová nachádza množstvo Sturm und Drang v abstrakcii; je zrkadlom svojej doby.


„Čo mohlo byť“

Obrázok

Kredit...Karsten Moran pre The New York Times

Obrázok

Kredit...Artists Rights Society (ARS), New York/VG Bild-Kunst, Bonn; Múzeum Solomona R. Guggenheima, New York

Umelkyňa Carrie Mae Weemsová považuje Guggenheimovu kolekciu v umeleckých dielach od čiernych, hnedých alebo ženských umelcov. Vo svojom nástennom texte chváli múzeum za množstvo nádherných, drahokamových predmetov, ale bez okolkov tvrdí, že mu chýba komplexnosť skutočne rozmanitého zobrazenia, ktoré by sa dalo ľahko dosiahnuť, keby malo otvorené oči.

Aby zdôraznila túto absenciu, obrátila sa k metafore a takmer úplne sa obmedzila na diela, ktoré sú čierno-biele. Jediným dielom so skutočnými farbami je obraz Maxa Beckmanna z roku 1934, Ali With Mask, ktorý zobrazuje ľahostajnú odalisku, ktorej čierna maska ​​spôsobuje, že vyzerá takmer zaslepená – ako v múzeu, zdá sa, hovorí pani Weemsová. Jej výbery tvoria elegický sprievod obrazov a sôch od Alberta Giacomettiho, Mondriana, Armanda Moralesa a Franza Klinea.

Takéto diela odrážajú formálnu integráciu, dynamiku a dokonca aj vzájomnú závislosť čiernej a bielej. Skupina fotografií z celého sveta zobrazuje čiernych alebo bielych ľudí, ale nikdy nie oboch spolu. Výnimka je mrazivá: Frederick Ashton With Dancers od Georgea Platta Lynesa, portrét britského choreografa z roku 1934 v obleku s tromi nahými černochmi, ktorí sa pred ním obliekali. V jednej z najpozoruhodnejších vedľajších pozícií je čierna maľba Marilyn Lenkowsky v tvare plutvy z roku 1977 s výhľadom na Bask, sochu z morenej borovice z roku 1976 od Martina Puryeara, ktorá sa týči z podlahy ako vlna alebo okraj skaly.


'Dobrí umelci'

Obrázok

Kredit...Estate of Louise Nevelson/Artists Rights Society (ARS), New York; Karsten Moran pre The New York Times

Obrázok

Kredit...Helen Frankenthaler Foundation Inc./Artists Rights Society (ARS), New York; Karsten Moran pre The New York Times

Provokatívna textová umelkyňa Jenny Holzer, ktorá pokračuje v skúmaní slabých stránok múzea pani Weemsovou, sa venuje malému percentu diel žien v zbierke v pôsobivom zobrazení venovanom ich úsiliu. (Múzeum uvádza, že približne 15 percent diel v zbierke od roku 1900 do roku 1980 tvoria umelkyne.) Jej sekcia je zároveň oslavou a pokarhaním nedostatkov múzea. Zahŕňa strašidelný maľovaný nástenný kus od Lee Bontecou a Nevelsonov obrovský maľovaný drevený reliéf z roku 1971, ktorého rovnomerne rytmická kompozícia ho robí jedným z jej najlepších.

Farba sa znovu objavuje v divokej Kanade I od Joan Mitchellovej (1975), na začiatku jej neskorého, skvelého obdobia, visí vo vlastnej zátoke a potom exploduje s tmavožltou, ktorú zdieľajú Kočky Natálie Gončarovej (vnímanie lúčov v ružovej farbe). , čierno-žltý) z roku 1913 a prepychový kanál Helen Frankenthalerovej z roku 1963. V priebehu polstoročia tvoria jeden z najlepších momentov show a zdá sa, že podčiarkujú posolstvo pani Holzerovej: V každom bode histórie sa vždy nájdu dobrí umelci, ktorí sú náhodou ženami.

Medzi vyjadreniami umelcov a tým, čo predstavili, je obdivuhodná napätosť a jasnosť, ktorá robí Artistic License hustou a vzrušujúcou a udrží opakované návštevy. Sekcie sa navzájom dopĺňajú alebo si protirečia, vďaka čomu je relácia viac ako len súčet jej podstatných častí. Všetko len obracia Guggenheima naruby a odhaľuje, čo múzeum dosiahlo v rámci kánonu aj mimo neho a tiež kam sa musí obrátiť ďalej: smerom k oblasti hlavného prúdu, predtým známeho ako okraje, ktorý je skutočne všade.


Artistic License: Six Takes na Guggenheim Collection

do 12. januára v Múzeu Solomona R. Guggenheima na Manhattane; 212-423-3500, guggenheim.org .