Vo veku 82 rokov zomrel americký umelec Robert Rauschenberg

Robert Rauschenberg vo svojom dome a štúdiu v Captiva na Floride v roku 2005.

Robert Rauschenberg, nezadržateľne plodný americký umelec, ktorý znovu a znovu pretváral umenie v 20. storočí, zomrel v pondelok večer vo svojom dome na ostrove Captiva na Floride. Mal 82 rokov.

Príčinou bolo zlyhanie srdca, povedal Arne Glimcher, predseda PaceWildenstein, manhattanskej galérie, ktorá zastupuje pána Rauschenberga.

Práca pána Rauschenberga dala sochárstvu nový význam. Kaňon napríklad pozostával z vypchatého orla bielohlavého pripevneného na plátne. Monogram bola vypchatá koza opásaná pneumatikou na maľovanom paneli. K posteli patrila prikrývka, plachta a vankúš, natreté farbou, akoby nasiaknuté krvou, zarámované na stene. Všetky sa stali ikonami povojnového modernizmu.

Maliar, fotograf, grafik, choreograf, javiskový umelec, scénograf a v neskorších rokoch dokonca aj skladateľ pán Rauschenberg sa vzoprel tradičnej myšlienke, že umelec sa drží jedného média alebo štýlu. Tlačil, podnecoval a niekedy aj pretváral všetky médiá, v ktorých pracoval.

Stavajúc na odkazoch Marcela Duchampa, Kurta Schwittersa, Josepha Cornella a ďalších pomohol zakryť hranice medzi maľbou a sochárstvom, maľbou a fotografiou, fotografiou a grafikou, sochárstvom a fotografiou, sochárstvom a tancom, sochárstvom a technológiou, technológiou a performanciou. ?? nehovoriac o medzi umením a životom.

Pán Rauschenberg bol tiež nápomocný pri posúvaní amerického umenia vpred od abstraktného expresionizmu, dominantného hnutia, keď sa objavil na začiatku 50. rokov. Stal sa transformačným spojivom medzi umelcami ako Jackson Pollock a Willem de Kooning a tými, ktorí prišli na rad, umelcami identifikovanými s popom, konceptualizmom, udalosťami, procesným umením a ďalšími novými druhmi umenia, v ktorých hral významnú úlohu.

Jasper Johns raz povedal, že žiadny americký umelec nevynašiel viac ako pán Rauschenberg. Pán Johns, John Cage, Merce Cunningham a pán Rauschenberg bez toho, aby zdieľali presne rovnaký názor, spoločne definovali túto novú éru experimentovania v americkej kultúre.

V súvislosti s pánom Rauschenbergom Cage raz povedal: Krása je teraz pod nohami všade, kam sa namáhame pozrieť. Cage znamenal, že ľudia vďaka úsiliu pána Rauschenberga prišli na to, že nielen to, že čokoľvek, vrátane haraburdia na ulici, môže byť predmetom umenia (toto samo osebe nie je nové), ale že to môže byť vecou umenia. umenie túži byť krásne?? že aj v konzumnom presýtení je potenciálna poetika, ktorú pán Rauschenberg oslavoval.

Naozaj mi je ľúto ľudí, ktorí si myslia, že veci ako misky na mydlo, zrkadlá alebo fľaše od koly sú škaredé, povedal raz, pretože sú celý deň obklopení takýmito vecami a musí im to spôsobiť nešťastie.

Táto poznámka odzrkadľovala optimizmus a veľkorysosť ducha, ktorými sa pán Rauschenberg stal známym. Jeho práca bola prirovnaná k svätému Bernardovi: bez zábran a väčšinou dobromyseľný. Osobne by mohol byť taký istý. Keď zbohatol, dal milióny dolárov na charitatívne organizácie pre ženy, deti, lekársky výskum, iných umelcov a demokratických politikov.

Ako drzý, hlučný, tvrdo pijúci Južan s otvorenou tvárou mal šarm a zvláštny delfský cit s jazykom, ktorý maskoval komplexnú osobnosť a rovnako mnohovrstevný emocionálny prístup k umeniu, ktoré sa vyvíjalo tak, ako sa vyvíjala jeho postava. Začal tým, že z odpadu, ktorý našiel na ulici v centre Manhattanu, vyrábal svojrázne malé zhromaždenia, a v neskorších rokoch, keď sa stal úspešným a slávnym, trávil čoraz viac času na rozsiahlych medzinárodných projektoch a spoluprácach podobných veľvyslancom.

Tieto projekty, ktoré vznikli v jeho obrovskom štúdiu na ostrove Captiva, pri juhozápadnej Floride, mali obrovskú veľkosť a ambície; dlhé roky pracoval na jednom, ktorý doslova presiahol dĺžku svojho názvu, The 1/4 Mile or 2 Furlong Piece. Vo všeobecnosti nenaplnili jeho predchádzajúce úspechy. Napriek tomu si zachoval vyrovnanosť voči výsledkom. Cítil, že produktivita proteínov išla ruka v ruke s rizikom a riziko niekedy znamenalo zlyhanie.

Proces ?? improvizačný, kontraintuitívny spôsob robenia vecí? bolo vždy to, na čom mu záležalo najviac. Pokaziť veci je cnosť, povedal, keď mal 74 rokov. Mať pravdu nikdy nie je podstatné. Mám takmer fanaticky korektnú asistentku, a kým prepíše moje slová a opraví interpunkciu, nedokážem prečítať, čo som napísal. Mať pravdu môže zastaviť všetku dynamiku veľmi zaujímavého nápadu.

Tento postoj ho tiež naklonil, ako raz povedal maliar Jack Tworkov, aby videl za hranice toho, o čom iní rozhodli, že by mali byť hranice umenia.

Stále kladie otázku?? a z filozofického hľadiska je to úžasná otázka, či výsledky sú alebo nie sú skvelým umením, povedal pán Tworkov a jeho otázka ovplyvnila celú generáciu umelcov.

Nešťastný, úctivý odchod

Táto generácia bola tá, ktorá sa odtrhla od Pollocka a spol. Pán Rauschenberg udržiaval hlboký, ale zlomyseľný rešpekt k hrdinom abstraktného expresionizmu ako de Kooning a Barnett Newman. Je známe, že raz usilovne vymazal kresbu od de Kooninga, čo bol akt deštrukcie aj oddanosti. Kritici považovali celočierne maľby a celočervené maľby, ktoré vytvoril na začiatku 50. rokov, za podvrhy de Kooninga a Pollocka. Obrazy mali vlniace sa bublinkové povrchy vyrobené z útržkov novín zaliatych farbou.

Obrázok

Kredit...Art Rauschenberg Estate/Licencia od VAGA, New York, NY

Boli to však rovnako pocty, ako aj paródie. De Kooning, sám parodista, zakomponoval do obrázkov kúsky novín a Pollock prilepil ohorky cigariet na plátna.

Automobile Tire Print pána Rauschenberga, zo začiatku 50. rokov 20. storočia ?? výsledkom toho, že Cage jazdil na atramentovej pneumatike Fordu Model A na viac ako 20 listoch bieleho papiera? robil si žarty z Newmanových slávnych zipsových obrazov.

V tom istom čase pán Rauschenberg rozširoval Newmanovo umenie. Odtlačok pneumatiky zmenil Newmanov zips ?? abstraktná línia na monochromatickom pozadí s duchovnými nárokmi ?? do artefaktu každodennej kultúry, ktorý mal pre pána Rauschenberga svoj transcendentný rozmer.

Pán Rauschenberg často narážal na autá a vesmírne lode, dokonca do svojho umenia zakomponoval skutočné pneumatiky a bicykle. To čiastočne odrážalo jeho vlastnú nepokojnú, peripatetickú predstavivosť. Myšlienka pohybu sa logicky rozšírila, keď sa dal na tanec a vystupovanie.

Pod tým bola temnota mnohých jeho diel, napriek ich neúcte. Posteľ (1955) bola gotická. Celočierne maľby boli slávnostné a zatvorené. Červené maľby vyzerali zuhoľnatene, s pásikmi látky podobnými obväzom, z ktorých farba kvapkala ako krv. Rozhovor (1955), ktorý pripomínal skriňu alebo skriňu s dverami, s fotografiami toreadorov, plagátom, nahom Michelangela, vidličkou a softloptičkou, navrhol nejaké čierno-humorné zakódované erotické posolstvo.

Objavilo sa mnoho ďalších obrazov utláčaných a osamelých ľudí, uchvátených myšlienkami; obrazy starovekých fresiek, rozostrené, akoby si ich napoly pamätali; fotografie opustených, zanedbaných miest; kúsky vzdialených miest sprostredkúvajúce akúsi nostalgiu alebo odľahlosť. Pri spájaní týchto vecí dohromady umenie implikovalo útechu.

Pán Rauschenberg, ktorý vedel, že nie pre každého je ľahké pochopiť otvorenosť jeho práce, raz opísal spisovateľovi Calvinovi Tomkinsovi stretnutie so ženou, ktorá skepticky reagovala na Monogram (1955-59) a posteľ v roku 1963. retrospektíva v Židovskom múzeu, jedna z udalostí, ktorá zabezpečila povesť pána Rauschenberga: Všetky moje rozhodnutia sa jej zdali absolútne svojvoľné? ako keby som si mohol vybrať čokoľvek? a preto to nemalo zmysel, a preto to bolo škaredé.

Tak som jej povedal, že ak by som mal opísať, ako bola oblečená, mohlo by to znieť veľmi podobne ako to, čo hovorila. Napríklad mala na hlave perie. A na prsiach mala pripnutú túto smaltovanú brošňu s obrázkom ‚The Blue Boy‘. A okolo krku mala niečo, čo by nazvala norka, ale čo by sa dalo opísať aj ako koža mŕtveho zvieraťa. Najprv ju to, myslím, trochu urazilo, ale neskôr sa vrátila a povedala, že tomu začína rozumieť.

Vyrastať so šrotom

Milton Ernest Rauschenberg sa narodil 22. októbra 1925 v Port Arthur, Texas, v malom meste rafinérie, kde bolo veľmi ľahké vyrastať bez toho, aby ste videli obraz, povedal. (V dospelosti sa premenoval na Roberta.) Jeho starý otec, lekár, ktorý emigroval z Nemecka, sa usadil v Texase a oženil sa s Cherokee. Jeho otec Ernest pracoval pre miestny podnik verejných služieb. Rodina žila tak striedmo, že jeho matka Dora mu vyrábala košele zo zvyškov látky. Raz si urobila sukňu zo zadnej časti obleku, v ktorom bol pochovaný jej mladší brat. Nechcela, aby materiál vyšiel nazmar.

Pán Rauschenberg chcel ako darček k promócii konfekčnú košeľu, svoju prvú. To všetko nakoniec formovalo jeho umenie. O desaťročie neskôr sa zapísal do histórie svojimi vlastnými zostavami kúskov a hotových výrobkov: sochami a hracími skrinkami vyrobenými z prepraviek, skál a lán; a obrazy ako Yoicks, šité z pásikov látky. Miloval robiť niečo z ničoho.

Pán Rauschenberg krátko študoval farmakológiu na Texaskej univerzite v Austine predtým, ako bol povolaný počas druhej svetovej vojny. Svoje prvé obrazy videl v Huntington Art Gallery v Kalifornii, keď bol umiestnený v San Diegu ako lekársky technik v námornej nemocnici. Napadlo ho, že je možné stať sa maliarom.

Navštevoval Kansas City Art Institute na G.I. Bill odcestoval do Paríža a zapísal sa na Académie Julian, kde sa stretol so Susan Weilovou, mladou maliarkou z New Yorku, ktorá mala vstúpiť na Black Mountain College v Severnej Karolíne. Pán Rauschenberg si prečítal a prišiel obdivovať Josefa Albersa, vtedajšieho vedúceho výtvarného umenia v Black Mountain, dosť peňazí, aby sa k nej mohol pridať.

Pán Albers bol disciplinárny a prísny modernista, ktorý, šokovaný svojím študentom, sa neskôr distancoval od toho, že vôbec poznal pána Rauschenberga. Na druhej strane bol pánom Rauschenbergom spomínaný ako krásny učiteľ a nemožný človek.

Nehovorilo sa s ním ľahko a jeho kritika bola pre mňa taká mučivá a taká zničujúca, že som o ňu nikdy nežiadal, dodal pán Rauschenberg. Po rokoch sa však stále učím, čo ma naučil.

Okrem iného sa naučil zachovať si otvorenú myseľ k materiálom a novým médiám, čo pán Albers podporil. Pán Rauschenberg si získal rešpekt aj pred mriežkou ako základným kompozičným organizačným nástrojom.

Chvíľu sa pohyboval medzi New Yorkom, kde študoval na Art Students League u Václava Vytlacila a Morrisa Kantora, a Black Mountain. Na jar 1950 sa s pani Weilovou zosobášili. Manželstvo trvalo dva roky, počas ktorých sa im narodil syn Christopher, ktorý ho prežil, spolu so spoločníkom pána Rauschenberga Darrylom Pottorfom.

Byť hosťom Johna Cagea

Pán Rauschenberg v tom čase experimentoval s modrotlačovým papierom na výrobu siluetových negatívov. Obrázky vyšli v časopise Life v roku 1951; potom mal pán Rauschenberg svoju prvú samostatnú výstavu vo vplyvnej galérii Betty Parsons.

Každý sa snažil vzdať európskej estetiky, pripomenul, čím myslel Picassa, surrealistov a Matissa. To bol boj a odrazilo sa to v strachu zberateľov a kritikov. John Cage povedal, že strach v živote je strach zo zmeny. Ak k tomu môžem dodať: nič sa nevyhne zmene. Je to jediná vec, na ktorú sa môžete spoľahnúť. Pretože život nemá inú možnosť, každého možno merať jeho prispôsobivosťou zmenám.

Cage získala obraz z výstavy Betty Parsons. Okrem toho pán Rauschenberg nepredal absolútne nič. Vďačný súhlasil, že bude Cagea hostiť vo svojom podkroví. Ako pán Rauschenberg rád rozprával, jediné miesto na sedenie bolo na matraci. Cage začala svrbieť. Potom zavolal pánovi Rauschenbergovi, aby mu povedal, že na jeho matraci musia byť ploštice a keďže Cage odchádza na chvíľu preč, pán Rauschenberg môže zostať u neho. Pán Rauschenberg ponuku prijal. Na oplátku sa rozhodol, že sa dotkne obrazu, ktorý Cage získal, ako druh vďaky, namaľoval ho celý načierno, keď bol uprostred svojho nového, úplne čierneho obdobia. Keď sa Cage vrátil, nebavilo ho to.

Obaja sme si mysleli, že tu bol niekto bláznivejší ako ja, Spomenul si pán Rauschenberg. V roku 1952 prešiel pán Rauschenberg k celobielym maľbám, ktoré boli v spätnom pohľade duchovne podobné slávnej Cageovej nemej hudbe, počas ktorej klavirista sedí 4 minúty a 33 sekúnd pri klávesnici bez toho, aby vydal zvuk. Obrazy pána Rauschenberga, podobne ako hudba, sa v istom zmysle stali Rorschachovcami a kulisami pre ambientné, náhodné udalosti, ako sú prechody tieňov.

Vždy som si myslel, že biele obrazy nie sú pasívne, ale veľmi? dobre?? precitlivelý, povedal anketárovi v roku 1963. Aby sa na nich ľudia mohli pozerať a takmer videli, koľko ľudí bolo v miestnosti pri vrhaných tieňoch, alebo aká bola denná doba.

Pán Rauschenberg začal niekoľko mesiacov kopať po Európe a severnej Afrike s umelcom Cy Twomblym a potom začal zbierať a zostavovať predmety. kúsky lana, kamene, palice, kosti ?? ktoré ukázal predajcovi v Ríme, ktorý ich vystavoval pod názvom scatole contemplative, čiže myšlienkové skrinky. Predviedli ich vo Florencii, kde pobúrený kritik navrhol, aby ich pán Rauschenberg hodil do rieky. Myslel si, že to znie ako dobrý nápad. A tak si ušetril pár scatole pre seba a priateľov a našiel si odľahlé miesto na Arno. „Dal som na vašu radu,“ napísal kritikovi.

Napriek tomu boli scatole rozhodujúce pre jeho vývoj a pripravili pôdu pre väčšie a prepracovanejšie zostavy, ako napríklad „Monogram“. Po návrate do New Yorku ukázal pán Rauschenberg svoje úplne čierne a biele obrazy a potom vymazaný de Kooning, ktorý mu dal de Kooning vymazať, čo bolo gesto, ktoré pán Rauschenberg považoval za prekvapivo veľkorysé, čo všetko zlepšilo jeho povesť nového enfant terrible umeleckého sveta.

Približne v tom čase sa stretol aj s pánom Johnsom, vtedy neznámym, ktorý mal ateliér v tej istej budove na Pearl Street, kde mal podkrovie pán Rauschenberg. Intimita ich vzťahu v priebehu nasledujúcich rokov, ktorá bola pre neskorších biografov a historikov konzumnou témou, sa zhodovala s tým, ako obaja vytvorili niektoré z najprelomovejších diel povojnového umenia.

Podľa slávnych slov pána Rauschenberga si navzájom dali povolenie robiť, čo sme chceli. Až do 60. rokov 20. storočia žili spolu v sérii loftov na Dolnom Manhattane, vymieňali si nápady a podporovali sa pri navrhovaní výkladných skríň pre Tiffany & Company a Bonwit Teller pod spoločným pseudonymom Matson Jones.

Spolu s kombajnmi ako Monogram a Canyon (1959) pán Rauschenberg v tom období vyvinul techniku ​​transferového kreslenia, pri ktorej rozpúšťal tlačené obrázky z novín a časopisov rozpúšťadlom a potom ich ceruzkou rozotieral na papier. Proces, ktorý sa používa pri dielach ako 34 kresieb pre Dante's Inferno, vytvoril dojem niečoho utekajúceho, nádherného a tajného. Možno v tom bol autobiografický a zmyselný aspekt. Umožňovalo mu prelínať obrazy na ploche do akéhosi surrealistického efektu, ktorý sa stal základom diel, ktoré robil počas celej svojej neskoršej kariéry, keď metódu prenosu prispôsobil plátnu.

Nástrojom v tomto technickom vývoji bola vtedy Tatyana Grossmanová, ktorá ho povzbudzovala a viedla pri vytváraní výtlačkov v jej dielni Universal Limited Art Editions na Long Islande; začal tiež dlhý vzťah s Gemini G.E.L. dielňa v Los Angeles, ktorá vyrába litografie ako séria Stoned Moon z roku 1970 s odkazmi na pristátie na Mesiaci.

Jeho spojenie s divadlom a tancom sa začalo už v 50. rokoch, keď začal navrhovať scény a kostýmy pre pána Cunninghama, Paula Taylora a Trisha Brown a pre svoje vlastné produkcie. V roku 1963 vytvoril choreografiu Pelikán, v ktorej vystupoval na kolieskových korčuliach s padákom a helmou jeho dizajnu za sprievodu nahratej zvukovej koláže. Táto fascinácia spoluprácou a miešaním umenia a technológií sa spájala s ďalším úsilím. S Billym Klüverom, inžinierom z Bell Telephone Laboratories a ďalšími, založil neziskovú nadáciu Experiments in Art and Technology na podporu spoločných projektov umelcov a vedcov.

Svet chvály

V roku 1964 cestoval po Európe a Ázii s tanečnou spoločnosťou Merce Cunningham Dance Company, v tom istom roku vystavoval vo Whitechapel Gallery v Londýne a na Bienále v Benátkach ako zástupca Spojených štátov amerických. To spečatilo jeho medzinárodné renomé. Denník Sunday Telegraph v Londýne ho označil za najvýznamnejšieho amerického umelca od čias Jacksona Pollocka. Odišiel s medzinárodnou veľkou cenou v Benátkach, ako prvý moderný Američan, ktorý ju vyhral. Pán Rauschenberg sa takmer napriek sebe stal inštitúciou.

Potom nasledovali každé desaťročie veľké výstavy, vrátane jednej v Centre Pompidou v Paríži v roku 1981, ďalšej v Guggenheime v roku 1997 a ďalšej v Los Angeles Museum of Contemporary Art, ktorá pristála v Metropolitnom múzeu v roku 2005.

Keď v neskorších rokoch necestoval, bol na Captive, žil najprv v skromnom plážovom domčeku a pracoval v malom štúdiu. Časom sa stal najväčším rezidenčným vlastníkom pôdy na ostrove Gulf Coast a zároveň udržiaval mestský dom v Greenwich Village v New Yorku. Pozemok v Captive získal kúpou priľahlých nehnuteľností od starších susedov, ktorých nechal bez prenájmu bývať v ich domoch, ktoré pre nich udržiaval. Nahromadil 35 akrov, 1 000 stôp pláže a deväť domov a štúdií vrátane dvojposchodového štúdia s rozlohou 17 000 štvorcových stôp s výhľadom na bazén. Vlastnil takmer všetko, čo zostalo z tropickej džungle na ostrove.

Po mozgovej príhode v roku 2002, pri ktorej ochrnula jeho pravá strana, sa pán Rauschenberg naučil viac pracovať ľavou rukou a so skupinou asistentov zostal niekoľko rokov plodný vo svojom obrovskom ateliéri.

Väčšinou pracujem v nejakom smere, kým viem, ako na to, potom prestanem, povedal tam v rozhovore. V čase, keď sa nudím alebo rozumiem? Používam tieto slová zameniteľne ?? vytvorila sa ďalšia chuť do jedla. Veľa ľudí sa snaží vymýšľať nápady. nie som jeden. Radšej by som prijal neodolateľné možnosti toho, čo nemôžem ignorovať.

Dodal: Čokoľvek, čo urobíte, bude zneužitím estetiky niekoho iného. Myslím, že ste sa narodili ako umelec alebo nie. nemohla som sa to naučiť. A dúfam, že to nikdy neurobím, pretože vedieť viac len povzbudí vaše obmedzenia.